在具象与消隐之间：周仕超以“无法命名的色彩”走进洛杉矶
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LAPost/圣盖博（2026年9月11日讯） — 一幅画究竟需要让观众看见什么，才能成立？
在山东艺术家周仕超的绘画中，这个问题似乎没有一个确定的答案。
他的画面有时像风景，有时像水面、天空、建筑或花朵，但当观者试图辨认这些形象时，它们又迅速退回色彩、光线和笔触之中。那些原本可以被命名的东西，停留在显现与消隐之间。
这种“不确定”，正是周仕超此次在洛杉矶举办个展《ALL THE COLORS WE CANNOT NAME》（无法命名的所有色彩）的核心。
由洛杉矶知名艺术画廊 The Scholart Selection 呈现的此次展览，于9月11日开幕，展至9月19日，集中展出周仕超近五年来不同阶段创作的10件油画作品。作品在色彩、明暗和视觉状态上呈现出明显差异：有的轻盈、明亮，具有近乎透明的质感；有的则更加浓重、幽暗。
将这些作品并置观看，观众看到的不只是10幅独立的绘画，也能看到一位艺术家近年来不断改变、试探和重新确认自身绘画语言的过程。
当形象开始消失，色彩开始说话
周仕超的绘画并不从一个明确的物象出发。
他更关心的是如何通过色彩、笔触与空间之间不断的调整，让画面最终抵达某种难以用语言定义的状态。
周仕超（Photo by: Richard Ren/LAPost)
“我的创作核心，是舍形似、求神韵，以色彩寄情、以虚实造境。”周仕超说。
他希望将色彩本身的灵动与张力，与东方美学中“虚实相生”“意在象外”的观念结合起来，“褪去繁复具象的雕琢，消解刻板明晰的物象轮廓”，让绘画从单纯的景观描摹中脱离出来。
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这种方法在《CAR 008》（2022）中表现得尤其明显。
画面由浅蓝、灰白和粉色构成一个轻盈、通透的色彩空间，黄色、橙色和绿色的笔触穿行其中。若隐若现的垂直痕迹，似乎可以被理解为建筑、倒影，也可以是一种遥远而模糊的景观。
但艺术家并没有让任何一种解释真正占据画面。
观众仿佛看见了什么，却无法完全确认自己看见的究竟是什么。
画面因此处于一种悬置状态：它没有完全脱离具象，却也没有停留在传统意义上的具象绘画之中。
《CAR 039》（2023）则进一步将这种“不确定性”推向深处。
蓝绿色在画面中大面积弥散，粉色、淡紫色以及细碎的亮色漂浮其间。水面、雾气或天空的联想刚刚浮现，又很快重新消融于色彩之中。
在这里，物象几乎已经退场，但光线、空气、流动和情绪却仍然存在。
这也是周仕超绘画最值得观看的地方：当形象逐渐退去，色彩开始承担原本由形象承担的叙事功能。
观众或许无法准确说出自己看到了什么，却仍然能够感受到画面中的光、空间和情绪。
“像音乐一样，不能被解释得太满”
谈到自己的作品，周仕超并不急于给观众提供答案。
在展览现场，他甚至将绘画与音乐相提并论。
他认为，有些视觉感受本身就带有一种感觉和本能的东西。一幅画可以让人想到云、花、石头、池塘，也可以让人联想到印象派绘画中的水面，但如果试图用语言把所有东西解释清楚，反而可能破坏观看本身。
周仕超接受采访（Photo by: Richard Ren/LAPost)
“就像音乐一样，”他说，“你过多地用语言去解释它，反而会破坏。”
这种态度也解释了《ALL THE COLORS WE CANNOT NAME》这一展名。
“无法命名”并不意味着画面没有内容，而是意味着艺术家有意把最终的解释权交还给观众。
对于周仕超而言，一幅画不必成为一个明确的答案。它可以只是一个开放的视觉空间，让不同的人带着自己的经验进入其中。
从写实训练到东西方之间的绘画语言
周仕超出生于青岛，1989年毕业于山东艺术学院设计系壁画专业。他从3岁开始学习绘画，后来进入专业院校，并经历了留校创作与教学的长期职业生涯，直到今年3月退休。
这意味着，他的大部分人生几乎都与绘画和艺术教育相伴。
他并非一开始就选择模糊和抽象。
相反，他经历了严谨的写实训练，从具象一步一步走向今天这种介于具象与抽象之间的绘画语言。
周仕超说，他希望把西方绘画中的色彩经验与东方美学中的意境结合起来，由此形成一种较为朦胧、强调感知而非再现的绘画方式。
印象主义也构成了他艺术经验中的重要参照。
在他看来，对这一代中国画家而言，印象主义所带来的影响十分深刻。色彩不再只是描述物体的工具，而可以成为光线、空气和情绪本身。
这使他的作品在某些时刻具有明显的印象主义痕迹，但又没有停留在对印象主义视觉形式的重复上。
他的目标似乎不是重新画出一个池塘、一片天空或者一座建筑，而是追问：当这些具体事物逐渐从画面中消失之后，什么仍然能够留下？
答案可能就是色彩、光和观看本身。
从马赛、摩纳哥到洛杉矶
周仕超的艺术实践并不局限于中国。
2010年，应法国马赛市政府邀请，他在马赛当代艺术中心举办《日出·马赛》个展；2016年，他在摩纳哥游艇俱乐部举办《金色时光》油画作品展。
2013年，他还与意大利菲拉格慕集团合作推出全球限量版丝巾。同年，其作品《远光》被梵蒂冈教皇方济各收藏。
此后，他继续在欧洲和美国展开艺术实践。
此次洛杉矶个展，是他将近年来创作带入美国艺术环境的一次新的尝试。
对于周仕超来说，这不仅是一次展览地点的改变。
“我一直希望能在美国推广中国的当代艺术、中国的文化，来到美国和大家交流，让这边的人看到另一种面貌的中国绘画。”他说。
从法国马赛、摩纳哥到美国加州，这条跨越不同文化环境的创作轨迹，也成为理解周仕超作品的重要背景。
他的绘画既不是简单地把中国元素带到西方，也不是完全按照西方当代艺术的语言进行调整，而是在东方视觉经验和西方色彩传统之间不断寻找自己的位置。
The Scholart Selection：一次具有象征意义的进入
此次展览的另一个重要背景，是举办它的 The Scholart Selection。
这家位于圣盖博的画廊，是洛杉矶艺术界具有知名度和影响力的艺术空间之一。画廊主理人兼艺术评论家 Cindy Wang 长期参与艺术评鉴与展览策划，过去举办的展览以美国艺术家为主，也因此，此次接受一位来自中国大陆的艺术家举办个展，对画廊本身也具有一定的突破意味。
Cindy Wang（Photo by: Richard Ren/LAPost)
“这还是我们第一次接受中国大陆过来的艺术家。”Cindy Wang在开幕活动上说。
她表示，这次展览让她有很多感受。“作为一个中国人，能够在美国去弘扬艺术，包括进入国际化视野、进入国际化市场”，是她希望看到的事情。
她也希望以此次展览为起点，未来能够带动更多中国艺术家“出海”，让世界看到中国艺术家的创作与才华，并帮助他们在国际舞台上获得更多展示机会。
因此，周仕超此次进入The Scholart Selection，并不仅仅意味着在洛杉矶增加了一场个人画展。
从更大的文化交流角度看，它也是中国艺术家进入美国地方艺术生态的一次具体实践。
不重复别人，也不重复自己
周仕超对艺术创作有一个近乎朴素的判断：艺术的生命力在于不断创新和蜕变。
这也解释了为什么此次展览没有试图建立一种高度统一的视觉风格。
周仕超（Photo by: Richard Ren/LAPost)
10件作品来自艺术家近五年来不同的创作阶段，它们之间并非完全相同。有的更加明亮，有的趋于深沉；有的仍然保留清晰的景观暗示，有的则几乎完全由色彩、光线和笔触构成。
这种变化并非偶然。
周仕超认为，他不希望重复前人，也不愿意重复自己。每一幅作品都与创作当下的心境有关，而时间、情绪和感受的变化，自然会带来不同的色彩、节奏和画面状态。
因此，他并不刻意划定具象与抽象之间的界线。
对他来说，更重要的是保持绘画语言的开放性。
颜料在画布上的覆盖、擦除与堆叠，留下的不只是最终图像，也留下了创作过程本身。画面因此没有完全封闭，它仍然允许观众进入。
这或许也是《ALL THE COLORS WE CANNOT NAME》最值得注意的地方。
周仕超并没有要求观众“看懂”一幅画。
他更像是在邀请观众停留。
当建筑变成一道模糊的竖线，当天空变成蓝绿色的空气，当水面、云朵和花朵不再拥有明确的边界，绘画最终留下的可能不是一个可以被命名的对象，而是一种感觉。
而在洛杉矶这样一个不同文化、视觉经验和艺术传统不断交汇的城市，这种开放性或许比一个明确的答案更有意义。
展览信息
《ALL THE COLORS WE CANNOT NAME》
艺术家：周仕超（Shichao Zhou）
展期：2026年9月11日至9月19日
开幕酒会：2026年9月11日（周五）上午11点
地点：The Scholart Selection
417 South Mission Drive, San Gabriel, CA 91776
